CORPS GÉNÉRATIF ! Kaiji Moriyama + Yamaha + Youtube
Yamaha a développé un système d'intelligence artificielle qui traduit le mouvement d'un danseur en musique. Yamaha Artificial Intelligence (AI) transforme un danseur en pianiste. Yamaha AI a donné la possibilité au danseur mondialement connu, Kaiji Moriyama, de contrôler un piano par ses mouvements. La performance était accompagnée par le Berlin Philharmonic Orchestra Scharoun Ensemble.
GENERATIVE BODY!
Yamaha developed an AI system that translates a dancer’s motion into music. Yamaha Artificial Intelligence (AI) transforms a dancer into a pianist. Yamaha AI enabled a world-renowned dancer, Kaiji Moriyama, to control a piano by his movements. The performance was accompanied by the Berlin Philharmonic Orchestra Scharoun Ensemble.
Pensées et réflexions sur l'ingénierie d'une Matrice Fractale Sonique : Onyx Ashanti au TEDxBerlinSalon. Onyx Ashanti est l'inventeur de "beatjazz" — un nouveau moyen de créer de la musique. Pourquoi vous devriez écouter : Onyx Ashanti est musicien, geek, défenseur de l'Open Source, Créateur, collaborateur... et encore musicien. L'instrumentation qu'il a créée fusionne technique et technologie en un système musical corps-entier jouable avec les mains, bras, la bouche et le corps. Comme il dit : "Je suis ce qui ne peut être décrit que comme musicien cyborg".
THERMODYNAMIC MUSIC
Thoughts and Insights on Engineering a Sonic Fractal Matrix: Onyx Ashanti at TEDxBerlinSalon. Onyx Ashanti is the inventor of "beatjazz" — a new way to make music. Why you should listen: Onyx Ashanti is a musician, geek, open-source advocate, Maker, collaborator ... and we come back around again to musician. The instrumentation he has created fuses technique and technology into a full-body musical system, playable with hands, arms, mouth and body. As he says: "I am what can only be described as a cyborg musician". In other words, the music I create live cannot be replicated without technology. My music is called "Beatjazz." It is a mix of sound design, live looping, and jazz improvisation. My instrument of choice over the years has been a Yamaha Wind MIDI controller, but now the limitations have started to stunt the growth of this new form, so I designed an instrument that can take it into future. He is now working on the next iteration of his instrument, codenamed Tron, and built around a helmet-mounted controller.
Au creux de l’obscur retrace le travail sur 30 ans de Anne-Sarah Le Meur autour du potentiel plastique du langage informatique. Inspirée par le cinéma expérimental (Stan Brakhage), la littérature (Beckett, Poe), et des artistes comme James Turrell ou Mark Rothko, elle explore la lumière – et l’obscurité – en image de synthèse, créant des œuvres abstraites mais organiques, au lyrisme inédit. L’exposition propose une installation cylindrique interactive dans laquelle le spectateur pénètre et où sont projetées des images, programmées pour éviter son regard ou pour disparaître lorsqu’il se tourne vers elles. Grâce à cette frustration intermittente, il prend conscience de la force que les images exercent sur lui et de son désir de les regarder. En ralentissant ses mouvements, le spectateur découvre qu’il peut maintenir les formes visibles et établir avec elles une chorégraphie vivante et complexe.
IN THE HOLLOW OF THE DARK
In the hollow of the dark traces the work of Anne-Sarah Le Meur over 30 years around the artistic potential of computer language. Inspired by experimental cinema (Stan Brakhage), literature (Beckett, Poe) and artists such as James Turrell and Mark Rothko, she explores light - and dark - with computer-generated images, creating abstract but organic works, with unprecedented lyricism.
En écho à F-CONNEXION, FFF est une sculpture sociale, numérique et collective qui utilise nos données Facebook. Celles-ci sont prélevées de manière aléatoire. Mais proportionnellement à l’histoire même de Facebook. Collectées et scannées, elles construisent une surface courbe en fonction de leurs propres relations, des LIKES et des commentaires associés. Cette surface courbe prend place ensuite dans FFF, à l’instar d’une petite planète libre et autonome, dessinée dans, par et avec la grande constellation du réseau économique Facebook.
SOCIAL SCULPTURE
Echoing F-CONNEXION, FFF is a social, digital and collective sculpture which uses our Facebook data. This data is selected randomly, but proportionally to the very history of Facebook. Collected and scanned, it builds a curved surface based on its own relations, likes and associated comments. This curved surface then takes place in FFF, like a little planet that is free and autonomous, drawn in, by and with the vast constellation of the economic network Facebook.
VIDÉOPOLIS VIDÉOFORMES VIDÉORAMA Festival International d'Arts Numériques
VIDÉOFORMES 2018 présente une sélection d’œuvres hétérogène qui tente de refléter les multiples facettes de la création numérique : des vidéos projetées aux installations hybrides, en passant par les performances, les moments de réflexion, les débats et les actions vers les jeunes publics. Le corps sera mis à l'épreuve du numérique avec les fictions et expérimentations de réalité virtuelle à 360° au Digital Lounge ou dans une dimension où technologie et intelligence artificielle interrogent aussi bien la dimension érotique que les nouvelles pratiques lors de la table ronde : Sexe 3.0.
VIDEOFORMES 2018 presents an eclectic selection of works that attempts to reflect the multiple sides of digital creation: from projected videos to hybrid installations, as well as performances, moments of deep thought, debates, and engagements with young audiences. The body will be challenged by digital technology with 360° virtual reality fictions and experiments at the Digital Lounge or in a dimension where technology and artificial intelligence question the erotic dimension just as much as the new practices during the round table: Sex 3.0.
Depuis qu’il a fait ses débuts à l’international lors de DOCUMENTA X en 1997, l’artiste sud-africain William Kentridge a su asseoir une renommée planétaire. Son œuvre la plus célèbre regroupe dix dessins animés sous le titre de 'Drawings for Projection' (1989-2011). Sa production artistique se caractérise par une incroyable diversité, incluant des dessins, des gravures, des tapisseries, des sculptures, des exposés et même des opéras. Cette exposition présente une collection unique d’œuvres sélectionnées parce qu’elles s’inscrivent dans le prolongement du contexte du Sint-Janshospitaal de Bruges, une institution de soins fondée il y a 850 ans de cela et qui compte parmi les plus anciennes d’Europe encore préservées de nos jours. Illustrant les thèmes du traumatisme et de la guérison, cette représentation s’articule autour de l’œuvre centrale de Kentridge, l’installation vidéo 'More Sweetly Play the Dance' (2015), une interprétation contemporaine de la Danse macabre du Moyen-âge. Le dialogue qui s’instaure entre ces œuvres et le site hospitalier exceptionnel qui les accueille fait de l’art un médium puissant pour unir les différentes strates de l’histoire.
Illustrating the themes of trauma and healing, this representation is structured around Kentridge's chief work, the video installation 'More Sweetly Play the Dance' (2015), a contemporary interpretation of the Dance of Death from the Middle Ages. The dialogue flowing between these works and the exceptional hospital that hosts them makes art a powerful unification medium for the different layers of history.
Théâtralité, lumière et violence. Côtoyer "Judith décapitant Holopherne", assister au "Martyre de Saint Matthieu", converser avec "Bacchus": Caravaggio Experience, est une installation vidéo inédite qui invite à entrer dans les tableaux du génie pictural du XVIe siècle. Réalisée par The Fake Factory, basée à Florence, cette installation est une "expérience sensorielle", utilisant tant l'image, que la musique et le parfum, provenant des ateliers de la fameuse "Officine" florentine de Santa Maria Novella. Si on devait définir Caravaggio Experience, je dirai que c'est une « installation-spectacle et une mise en scène théâtrale ». Le public est invité à participer à une sorte de rite collectif, une immersion dans l'art, afin de devenir acteur de l’œuvre.
Theatricality, light, and violence. Getting to know "Judith Beheading Holofernes", attending to "The Martyrdom of Saint Matthew", conversing with "Bacchus": Caravaggio Experience is a new video installation that invites you into the paintings of pictorial geniuses of the 16th century. This installation, created by The Fake Factory based in Florence, is a "sensory experience" that uses images, music, and scent from the famous Florentine "Officine" workshops of Santa Maria Novella. If Caravaggio Experience were to be defined, I would call it a "show-installation and theatrical staging". The audience is invited to take part in a sort of collective rite, an immersion in art, in order to become part of the work.
L’Ennemi de mon ennemi est-il mon ami ? Ce projet, conçu par Neïl Beloufa à l’invitation du Palais de Tokyo, est un dispositif scénographique représentant de façon chaotique et parcellaire la manière dont s’écrit l’Histoire et se légitiment les pouvoirs aujourd’hui. S’inspirant de la communication officielle, des mémoriaux, des musées de guerre, de la propagande politique mais aussi de l’actualité, de la publicité ou des jeux vidéo, l’exposition met en scène l’interchangeabilité des stratégies et des discours. Ce faisant, elle joue sur une ambiguïté permanente entre le bien et le mal, les gentils et les méchants, les postures et les impostures. Le dispositif scénographique, spécialement conçu par l’artiste pour l’exposition, intègre des œuvres, des documents, des images, des artefacts, des reproductions et des objets réels déplacés en permanence par des robots, selon un scénario de type algorithmique. Il propose ainsi une remise en cause permanente des associations, des perspectives et des significations.
MY ENEMY'S ENEMY
Is my enemy's enemy my friend? This project, created by Neïl Beloufa and hosted by the Palais de Tokyo, is a scenographic installation representing in a chaotic and fragmented manner the way in which History is written and in which today's authorities legitimise themselves. Inspired by official messages, memorials, war museums, political propaganda but also the news, advertisements or video-games, the exhibition stages the interchangeability of strategies and speeches. In doing so, it plays with a permanent ambiguity between right and wrong, goodies and baddies, postures and impostures. The scenographic arrangement, specially conceived by the artist for the exhibition, integrates artworks, documents, pictures, artefacts, reproductions and real objects continuously moved by robots following an algorithm. It delivers a permanent questioning of associations, perspectives, and meanings.
Depuis près de quarante ans, l’artiste Américain John Sanborn s’emploie à creuser joyeusement les maux qui travaillent l’Amérique. Plutôt que de se tourner vers une pratique qui en fait la liste pour ensuite les dénoncer, son œuvre s’employait à créer, à inventer des formes, des dispositifs s’appuyant sur un modèle de diversité, ce gage de résistance culturelle qui se manifeste dès lors que l’état se met en chasse : aux membres de la communauté Afro-Américaine, aux communistes, aux familles monoparentales, au milieu LGBTQ, aux immigrants. Les installations et monobandes de Sanborn célèbrent cet engagement ; son œuvre, faite de collaborations avec chorégraphes, compositeurs et performeurs privilégie le corps comme instrument d’échange. Celui-ci est mis-en-scène dans un ensemble de constructions virtuoses. L’artiste appartient à cette génération qui savait non seulement se servir de ces nouveaux outils, mais qui allait en concevoir une grammaire des formes. Curateur Stephen Sarrazin.
A TUNNEL THROUGH OLYMPUS
For nearly forty years, the American artist John Sanborn has been happily studying America's aches. Instead of making lists to denounce them, his work consists in creating and inventing shapes and designs based on diversity. This token of cultural resistance manifests itself from the moment the state starts driving away members of the Afro-American community, communists, single-parent families, the LGBTQ community, immigrants. Sanborn's installations and monobands celebrate this engagement; his work, made from collaborations with choreographers, composers, and performers, showcases the body as a tool for exchange. It is staged inside a set of virtuoso constructions. The artist belongs to the generation that not only knew how to use these new tools, but also strived to conceive a grammar of shapes from it. Curator Stephen Sarrazin.
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